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 Acteur __________________________________________________________________________________________

Un acteur ou comédien (actrice ou comédienne) est un artiste qui prête son physique ou sa voix à un personnage dans un film, une pièce de théâtre, à la télévision, à la radio ou même dans des spectacles de rue. Les différentes conventions collectives du spectacle vivant et de l'audiovisuel attribuent des noms différents au même emploi : l'interprétation d'un rôle. Si l'appellation d'artiste interprète réunit les artistes dramatiques, chorégraphiques, lyriques, de variétés (music-hall), de cirque ainsi que les musiciens (non solistes) dans la Convention collective nationale des artistes engagés pour les émissions de télévision, Radio France a conservé sur les fiches de paie la dénomination Artiste dramatique pour l'interprétation des fictions et feuilletons radiophoniques. Étymologiquement, le comédien est un acteur spécialisé dans la comédie de même que le tragédien est davantage spécialisé dans la tragédie. Les deux grands genres dramatiques traditionnels sont la tragédie et la comédie. Le drame (du latin drama, emprunté au grec drâma, signifie « action (théâtrale), pièce de théâtre ») désigne étymologiquement toute action scénique. Avec le temps, cette distinction s'est estompée dans l'usage : l'art de l'acteur est aujourd'hui désigné en langue française sous le nom de comédie. Jouer la comédie signifie interpréter un rôle, qu'il s'agisse ou non d'un emploi comique. L'ensemble des acteurs choisis pour tenir les rôles d'un film ou d'une pièce de théâtre est appelé distribution. Le principal support de l'acteur est le texte mais il peut également se servir du mime, de la danse ou du chant, selon les besoins de son rôle, notamment dans les comédies musicales.

Le premier acteur serait le grec Thespis (ou Thespus) qui aurait joué en -534 au théâtre d'Athènes pour les fêtes de Dionysos, devenant ainsi le premier à interpréter des paroles, séparément du chœur, dans une pièce de théâtre. Avant lui, les histoires étaient racontées avec des danses ou des chansons, à la troisième personne. Cet acteur est unique à l'origine et, seul protagoniste, il parle avec le chœur. Le dramaturge grec Eschyle est le premier à introduire un deuxième personnage, puis Sophocle en fait intervenir un troisième.

L’acteur est celui qui met en acte, en action, le texte écrit par le dramaturge, et les situations organisées par le metteur en scène. C'est lui qui agit et donne vie au personnage. Dans certains cas comme les spectacles d’improvisation (par exemple, la commedia dell'arte), il peut être lui-même l'unique créateur de son rôle. Il existe une ambiguïté constante entre la personnalité du rôle et celle de son interprète. Ce paradoxe a notamment été exposé par Diderot dans son Paradoxe sur le comédien. On raconte qu'un acteur romain du nom d'Ésope, emporté par la folie du personnage d'Oreste, assassina un de ses partenaires. L'acteur change d'identité afin de pouvoir incarner tel ou tel autre personnage, cependant les cas de confusion mentale sont rarissimes et l'acteur doit rester lui-même pour créer artistiquement un caractère. L'identification à son personnage n'est jamais totale, sous peine de folie. L'acteur puise à la fois dans son vécu et son imaginaire pour créer un rôle. Certains appellent le jeu de l'acteur le 8ème art ou l’art de la prestation, place que d'autres attribuent à la télévision.

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Le jeu de l'acteur au cinéma

  • Le jeu burlesque
  • L'expressionnisme allemand
  • La FESK en Soviétique
  • Le jeu entre 1930-1940
  • Actors studio

Acteur américain

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Le jeu burlesque

Le registre burlesque (de l'italien burlesco, burla, « farce, plaisanterie ») est un genre littéraire en vogue au XVIIe siècle. Le burlesque est caractérisé par l'emploi de termes comiques, familiers voire vulgaires pour évoquer des choses nobles et sérieuses. « Burlesque » se dit aujourd'hui couramment pour désigner un comique exagéré, extravagant qui repose généralement sur un décalage entre la tonalité et le sujet traité dans un texte. Le burlesque fait rire grâce à l’absurde et à l’irrationnel. Des évènements extraordinaires ne cessent de faire irruption sans raison dans le quotidien du protagoniste. La cohérence n’a jamais le temps de s’installer. Dénué de logique psychologique, le gag repose sur un comique physique et violent. Les choses sont brutalisées. Le ton général est la provocation et la caricature. Par exemple, Keystone Kops, inventé par le producteur Mack Sennett, désigne la caricature de policiers stupides qui poursuivent le héro. Le burlesque échappe aux règles de la narration classique. L’un des fondements du burlesque réside dans le rythme. Celui-ci résulte du timing dans le jeu de l’acteur (le bon geste au bon moment) et du montage. Les courts-métrages sont souvent frénétiques. Les longs-métrages, au contraire, ont alterner accélérations et moment de répit. Le rythme y est plus mesuré. Le film burlesque repose sur la personnalité de l’acteur qui impose un style, un profil et constitue la vedette. Le burlesque trouve son origine dans la commedia dell’arte et le music-hall, tradition à laquelle il emprunte la pratique de l’improvisation apportant une fraîcheur, une spontanéité et une énergie particulière. Les longs-métrages, plus construits et pensés, accordent moins de place à l’improvisation et privilégient le réglage et la précision.

 

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L’expressionnisme allemand

Le jeu d’acteur est caricatural (nécessité d’être expressif à l’époque du muet). Les acteurs se contorsionnent aux décors brisés. Même les décors sont des personnages à part entière. Thématiques tournant autour de l’étrange : dédoublement de la personnalité, mal être, personnages torturés, etc… On y retrouve aussi, souvent les mêmes figures dont celle du savant fou et de sa créature, ses monstre.

 

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La FESK en Soviétique

En 1919, est créée la FESK (fabrique de l’acteur excentrique). Les fondateurs développent toute une réflexion sur le jeu d’acteur : la biomécanique (improvisation). À l’origine, c’est une formation d’acteurs théâtraux puis de cinéma à partir de 1924. Les acteurs sont formés au sport et au cirque. Cette formation est influencée par le burlesque (corps athlétique et pantomime et l’expressionnisme. Ainsi, le jeu devient hyperbolique et grotesque : c’est l’apprentissage du ciné-geste. Il y a des cours sur la mobilité du visage et la motricité du corps pour se mouvoir avec précision en fonction des mouvements de caméra, des leçons de boxes pour la rapidité, des cours sur la culture comme l’histoire du cinéma, la théorie du cinéma, la sociologie de l’art. cependant, il n’y a aucun travail sur l’intériorité et la psychologie. Vertov refuse la nécessité de l’acteur, Eisenstein saisit la vérité psychologique de ses acteurs, Koulechov considère que le montage fait naître les affects sans qu’il n’y ai de recherche psychologique. Selon lui, le montage est crucial pour l’expressivité même si l’acteur est inexpressif. Il choisit l’acteur qui correspond le mieux au rôle et qui a un physique marqué (typage).

 

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Le jeu entre 1930-1940

Le jeu d’acteur devient de plus en plus réaliste car il évolue avec le parlant. On oublie le typage et le jeu plastique. Avec l’arrivée du parlant, il faut jouer et parler de manière plus juste et plus vraie avec des émotions plus soutenues et proche de la réalité. Les rôles sont plus complexes. On quitte la stylisation pour l’imitation. Les possibilités expressives sont plus importantes. C’est à partir de ce moment là que le star système se développe. La star st façonnées par le studio (identité, vie privée qui devient une vie publique). Les spectateur est plus sensible à la star qu’au réalisateur. La star envahit les écrans du monde entier.

 

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Actors studio

Association regroupant des acteurs, metteurs en scène et dramaturges fondée en 1947. La méthode Stanislavski est le fondement de la pratique de l’Actors Studio. Des filiales vont ouvrir petit à petit. L’émotion est au centre du jeu d’acteur. Il faut ressentir les vrais affects, faire travailler sa mémoire, se concentrer sur un objet pour éviter d’être soi-même, oublier les gestes sociaux et privilégier une identification physique et psychologique totale avec son personnage. L’acteur joue avec tous son corps et sa palette expressive. La beauté n’est plus importante. L’acteur doit être capable d’interpréter un personnage loin de lui (grossir par exemple), on va l’évaluer sur ce grand écart.

 

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Acteur américain

 

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