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Art/Cinématographie/Théorie de Jacques Rivette

 

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 Théorie de Jacques Rivette ________________________________________________________

"Lettre sur Rossellini" publié en 1955 dans les Cahiers du cinéma.

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Résumé

D’entrée agressive et véhémente, cette lettre fustige les contradicteurs pour faire bouger les choses en affirmant que « Voyage en Italie » (1954) de Rossellini, est le mieux maîtrisé et le plus affranchit du réalisateur. Il définit ce cinéaste moderne par 16 critères.

  • 1) Ce film, dont le sang doit être transfusé à notre cinéma misérable et qui nous montre les choses les plus banales doit constituer un modèle.
  • 2) La secrète parenté de Matisse avec Rossellini (goût pour les surfaces blanches réalisme et non surcharge et pompiérisme), donne un accent neuf et actuel qui atteint notre sensibilité. C’est de la délectation visuelle qui s’attache aux choses contemporaines, à la forme la plus récente de notre époque, de notre éthique, etc.
  • 3) La caméra joue le rôle du crayon en picturant un dessin temporel sous nos yeux. Chaque scène revienne à la mémoire non comme une succession de plans et de cadrages mais comme une arabesque continue, un trait qui nous conduit vers ce qu’on ignore et nous enclôt dans la trajectoire d’un univers frémissant. Nous vivons son progrès jusqu’à l’estompage final. À nous de prolonger en silence ce mouvement.
  • 4) On retrouve le cadrage asymétrique de Matisse, un déséquilibre révélant ensuite un équilibre secret donnant à chaque moment un mouvement dynamique comme une chute des éléments de mise en scène soumis à la gravitation après, ça recommence cycliquement. C’est l’art de la composition successive.
  • 5) Ce film est une architecture mise en place avec véracité. Ces films improvisés, tournés dans la bousculade, montrent la peinture réelle de notre temps, une précocité apparente inachevée et mal composée. C’est l’image irréfutable de nos sociétés désaccordées. La fraternité avec la réalité est un miroir qui ne nous flatte guère, constitutif d’êtres rongés par l’ennui et la lassitude.
  • 6) Son cynisme est celui d’un art uniment dépourvu de théâtralisation des affects et d’impudeur. Le cinéaste parle de lui-même avec une liberté d’expression absolue. Il filme sa quotidienneté, son pays, sa ville, en se mouvant dans l’éternel visible : le monde de l’incarnation.
  • 7) Une liberté plénière, extravagante est une réelle liberté. À force de méditation, d’approfondissement pensif ou d’un accord central, spirituel et intellectuel et à force d’obstination, l’œuvre reflète sa vie. Elle est immortalisé. Chaque film représente une partie de sa vie, un refrain repris en chœur.
  • 8) Une chasse de chaque et à chaque instant confère à l’image l’accent de la conquête et de la fraternité.
  • 9) Ces films sont soumis à l’esthétique de la télévision, du direct qui inscrit la tension, le hasard qui nous accorde par notre curiosité, un privilège en épiant autrui avec indiscrétion, en violant impunément l’intimité physique et spirituelle des êtres. Ce sont des films de voyeur. Chaque évènement est inévitable et accidentel.
  • 10) Cette faculté de voir à l’intérieur des êtres et des choses est un privilège. Plusieurs conditions dont une grande concentration, une grande patience pour une netteté engrossée dans la représentation, la lucidité et la franchise et enfin, la construction qui est le cœur de la création et la part secrète de l’artiste. Il offre au cinéma jusqu’alors obligé au récit, la possibilité de l’essai par ce gage.
  • 11) L’essai métaphysique est le dialecte de l’art moderne mêlant liberté, spontanéité, recherche et approche.
  • 12) Le rabâchage, cet ennui sous le compte de la leitmotiv et de l’épaisseur romanesque, la sclérose, la veulerie, témoigne de cette tradition subtile de la qualité. Ces films montrent sa réprobation à l’argument sophiste. Il ne raconte pas ni ne démontre, il montre. Les dialecticiens sont des canailles. Rossellini défend ses idées en filmant l’incarnation de sa pensée ou l’on trouve soudain un dogmatisme profond, plus vrai.
  • 13) Le vrai cinéma est l’art montrant les instants qui dépassent et suppriment brusquement le drame comme une note spasmodiquement haute sans modulation progressive. Ça se manifeste par le raccord regard, moment où les personnages vivent au fond d’eux, saisit d’un vertige de soi comme au sein d’une symphonie, la propre délectation de la note fondamentale. C’est la sclérose brusque, un repos qui les paralyse au sein de l’action.
  • 14) Son œuvre est sérieuse, refusant la comédie. Car, les êtres sont seuls, d’une solitude irréductible et qu’ils ignorent autrui excepté leurs besoins charnels, alimentaires, de braver les interdits sociaux qui font scandale et qui répugne par cette impudeur car ce sont les principes de la vie, une bataille pour sa survie, forcément criminel et capable de tout pour défendre sa vie, un dogme obscène et indécent.
  • 15) Rossellini à l’esprit moderne qui le mène à la gloire. Le jeu est cédé à la contrainte, il est tué, éteint et devient nouveau et avant-gardiste par la soumission de l’absence d’exigence théâtrale. Tel est le vrai jeu du cinéma : spontanéité du langage verbal et non-verbal, abandon de tout élan et de toute anticipation lassante.
  • 16) Cela choque, importune les esprits fermés, sclérotiques et rigoristes. Un cinéma réaliste n’est pas une technique de scénario mais, un état d’esprit.

 

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